De romantische periode in de kunst vertegenwoordigt een belangrijke verschuiving in de methoden van de schilderkunst die in de 19e eeuw plaatsvonden. In tegenstelling tot zijn voorganger, neoclassicisme, romantische kunst ingeleverd de voorwendselen van vorm en terughoudendheid ten behoeve van het nastreven van een intense emotionele toestand genoemd het sublieme. Terwijl elke schilder had zijn eigen specifieke stijl en technieken, opgenomen bijna allemaal dezelfde core kenmerken van romantische kunst.
De essentie van oneindig verlangen
Een van de meest opvallende kenmerken van de romantische kunst is de frequente portret van vet, intense emoties. Waar vorige generaties verafgood terughoudendheid, romantische schilders koos onderwerpen in de greep van woede, angst en verdriet om uit te drukken wat Duits schrijver E.T.A. Hoffman omschreef als "oneindige verlangen," professor Jonathan Martinez schrijft in zijn boek "Art & Humanities." Deze extatische Staten, af en toe veering dichtbij melodrama, zijn ontworpen om op te roepen van sterke gevoelens van ontzag en passie in de viewer.
De natuurlijke en de mythische
In de romantische schilderkunst, de achtergrond vaak speelde zo groot van een rol als het onderwerp in verheffende emotionele intensiteit. De term "romantische" was eerst volksmond toegepast op de schilderkunst in de 18de eeuw als een manier van werken die afgebeeld scènes van wildernis en ruïnes te beschrijven. Deze affiniteit voor de natuurlijke wereld bleef een steunpilaar in de romantische kunst door middel van de 19e eeuw, zoals gezien in de dramatische zeegezichten van Britse schilder J.M.W. Turner "The schipbreuk" (1805) en de broeierige bossen van Duits schilder Carl Blechen "The Woods in de buurt van Spandau" (1834). Terwijl de natuurlijke wereld werd beschouwd als een ideale setting voor romantische kunstenaars op zoek naar het sublieme, wendde ook verschillende schilders zich tot het bovennatuurlijke. Deze kunstenaars afgebeeld scènes uit de Griekse en Noorse mythologie te vangen enkele van hun epische intensiteit; een daarvan is de Britse schilder Henry Fuseli "Thor Battering de Midgard slang" (1790).
Kleur als energie
Sommige kunstenaars, zoals Frans schilder Eugene Delacroix, benaderd romantiek als een gelegenheid om het gebruik van kleur in de schilderkunst volledig te herzien. Net als muziek notities Delacroix geloofden dat kleuren hun eigen energie en het vermogen om te inspireren verschillende mentale en emotionele staten. Zijn schilderij "Bloedbad op Chios" (1824) de theorie in actie, met haar vette contrast van de sierlijke, kleurrijke kostuums van de soldaten tegen een gebied van verwoesting in sombere grijstinten en bruin gekleurd toont. Waar een neoklassieke schilder misschien licht hebt gebruikt voor het verlichten van een heroïsche figuur, zijn de helderste gebieden in de Delacroix schilderij slachtoffers lijden van angst en wanhoop.
Kunst voor de mensen
Eén van de doelstellingen van de romantische beweging was om terug te keren van kunst tot het publieke domein, zodat het was zo toegankelijk aan een landbouwer zoals het moest een edelman. Gegaan waren de dagen van kunst geproduceerd uitsluitend voor de smaak van de elite en de rijken. Schilderijen zoals "The vlot van de Medusa" (1818-1819) van de Franse kunstschilder Theodore Gericault vervangen de nimfen en saters van de barokke gevoeligheid met lage-klasse boeren wil de beproevingen van gewone mensen. In tegenstelling tot de neoklassieke meesterwerken--die werden vaak gehouden achter gesloten deuren--romantische schilderijen werden vaak genomen op tours door steden en dorpen, dus ze waren altijd in de openbare weergave.
